El rostro velado de la Madre Divina en el lienzo de Leonardo

La Sabiduría de Thot  ·  Edición Arte

Hay obras que se miran y obras que se leen. La Gioconda pertenece a un tercer orden, más antiguo y más exigente: las obras que se descifran. Durante cinco siglos, millones de ojos se han detenido ante ese óleo de álamo custodiado en el Louvre, y casi todos han hecho la misma pregunta equivocada: ¿quién era esta mujer? La pregunta correcta, la que el propio Leonardo parece susurrar desde el fondo brumoso del cuadro, es otra: ¿qué hay detrás de la sonrisa que ningún historiador ha logrado explicar del todo?

Leonardo da Vinci nació en 1452 en un pequeño pueblo próximo a Florencia, hijo de un notario y una campesina, y se formó en la ciudad que entonces era el laboratorio intelectual de Europa. No fue solamente pintor: fue anatomista, ingeniero, geólogo, músico, arquitecto y, según sostiene una larga tradición esotérica, algo más difícil de catalogar  un iniciado. Entre 1503 y 1506 pintó, sobre una tabla de apenas 77 por 53 centímetros, la obra que resumiría el resto de su pensamiento. No es casual que la abandonara sin firmarla, sin fecharla y sin entregarla jamás a quien se la había encargado. Un cuadro terminado se entrega; un símbolo, en cambio, se acompaña toda la vida.

Dos líneas, una sola vida

La tradición hermética enseña que la existencia humana se despliega sobre dos ejes. El primero es la línea horizontal: nacer, crecer, reproducirse, envejecer y morir, el ciclo repetido de generación en generación, donde habitan también los placeres pequeños y los sufrimientos domésticos, la rutina de la oficina y la fatiga del hogar. Es la línea de «Fulano y toda la gente», la que recorre la inmensa mayoría sin plantearse jamás que exista otra posible.

La segunda línea es vertical, y en ella se ordenan los distintos niveles del ser. No se hereda ni se hereda por nacimiento: se conquista mediante un trabajo interior deliberado. Quien la transita descubre que dispone de fuerzas capaces de modificar el propio destino, y que ese trabajo puede resumirse en tres movimientos: morir psicológicamente a los elementos indeseables que constituyen el yo, nacer a las facultades superiores que permanecen dormidas, y sacrificarse de manera desinteresada por el bien de los demás. Estos tres factores  muerte, nacimiento, sacrificio  son, según esta lectura, el verdadero contenido oculto bajo el barniz de La Gioconda.

«Comprender esta obra con el solo intelecto es como querer estudiar astronomía con microscopio: el instrumento es fino, pero es el equivocado.»

La sonrisa que la razón no alcanza

Se ha querido identificar a la dama del retrato con la esposa de un banquero florentino, o con una novia imaginaria de Leonardo. Ambas hipótesis, aun siendo históricamente plausibles, dejan intacto el verdadero enigma: por qué esa mirada produce, en quien se detiene lo suficiente ante ella, una sensación que no se parece a ninguna emoción catalogada. No hay en su rostro erotismo ni coquetería, no hay promesa ni reproche. Hay una calma que no pertenece del todo a este mundo  la misma calma, dirán los cabalistas, que produce la cercanía de lo sagrado.

El pensamiento discursivo avanza por comparación y deducción; la intuición, en cambio, reconoce de un solo golpe. Ante un símbolo genuino, explicar es casi siempre traducir mal. Por eso la Gioconda resiste tan bien cinco siglos de análisis académico: cada época construye su propia hipótesis biográfica y el cuadro sigue, indiferente, sonriendo igual.

El eterno rostro femenino

Toda gran tradición antigua rindió culto a un principio femenino divino bajo nombres distintos: Isis entre los egipcios, Rea y Cibeles entre los griegos, María en la tradición hebrea, Tonantzin entre los pueblos de Mesoamérica. Bajo la diversidad de los nombres subyace una misma intuición: que existe, en lo más profundo de la conciencia, una fuerza generadora capaz tanto de crear como de destruir  un fuego oculto que, una vez despierto, permite desintegrar aquello que en nosotros mismos nos mortifica y edificar aquello que aún no somos.

Bajo esta lectura, Leonardo no habría retratado a ninguna dama de la Toscana, sino la imagen interior de ese principio  captada, según la tradición hermética, con la misma facultad con que todo verdadero inventor «ve» su invento antes de construirlo: la imaginación consciente, entendida no como fantasía sino como clarividencia disciplinada. El cabello velado pero visible de la Gioconda simbolizaría, en este código, la pureza del trabajo interior; las manos serenamente cruzadas, la quietud necesaria para sostenerlo.

Los dos caminos del fondo

Pocos reparan en el paisaje que Leonardo pintó detrás de la figura: dos sendas distintas, una a cada lado. A la izquierda, un camino sinuoso, de curvas y montañas, que se pierde en un lago la vía espiral, asociada por la tradición esotérica con el reposo contemplativo, la dicha alcanzada y sostenida sin prisa por avanzar más allá. A la derecha, un camino recto y más largo, que se interna en picos elevados y en un bosque  la vía directa, la de quienes renuncian conscientemente al descanso ganado para continuar el trabajo interior en beneficio de los demás.

La figura central, situada exactamente entre ambos senderos, no elige por el observador: lo interroga. Cada época, cada lector, cada buscador se sitúa frente a esa misma bifurcación simbólica cuando decide si su búsqueda interior se detiene en el bienestar propio conquistado o se prolonga en entrega hacia lo colectivo.

Las cuatro columnas del saber

Leonardo reunió en su obra las cuatro columnas que toda tradición hermética reconoce como fundamento del conocimiento verdadero: Ciencia, Arte, Filosofía y Mística. Ninguna de las cuatro, por separado, agota la comprensión de una obra como esta. Se necesita el rigor del anatomista, la sensibilidad del pintor, la pregunta del filósofo y la paciencia del místico  y aun reunidas las cuatro, el cuadro conserva un margen que solo la experiencia directa, nunca la explicación, puede colmar.

El arte trascendental no ilustra ideas: las encarna, y por eso exige del espectador algo más que atención  exige transformación.

Existe, señala esta misma tradición, una distinción entre el arte que solo refleja la superficie material de las cosas y el arte que las atraviesa. La Gioconda pertenecería al segundo orden: una alegoría pintada para instruir a la conciencia sobre verdades que el lenguaje discursivo apenas roza, y que solo se revelan por completo a quien decide recorrer, dentro de sí mismo, el mismo camino vertical que el cuadro representa.

Quinientos años después de terminada, la Gioconda sigue sin entregar su secreto a quien solo la mira. Se lo entrega, dicen los herméticos, únicamente a quien la observa desde el silencio  el mismo silencio que exige toda iniciación verdadera antes de conceder su primera palabra.

SUMUS SAPIENTIAE HEREDES